22 août 2021

10 questions avec… Gordon Hall

Par beasys


Le corps a longtemps été un point de référence pour les créatifs queer. Après avoir grandi avec les normes esthétiques et théoriques des enseignements hétéronormatifs, les artistes et les designers se tournent vers la forme humaine pour défier le statu quo. Qu’il s’agisse d’une lampe latérale à hauteur d’homme ou d’une sculpture amorphe, l’œuvre se prête à des modes d’existence et de visibilité alternatifs. Beaucoup utilisent des palettes de couleurs audacieuses et des indices défiant le genre pour brouiller la frontière entre le familier et le nouveau. Gordon Hall est un artiste qui flirte avec l’aspect utilitaire du design dans ses formes tridimensionnelles. Derrière des tons sourds et des formes humbles, leurs sculptures recèlent divers potentiels d’utilisation et d’activation.

L’exposition la plus récente de l’artiste basé à New York, FIN DE LA JOURNÉE, à la galerie HESSE FLATOW de Chelsea le mois dernier, présentait un éventail de sculptures debout ou appuyées contre le mur, qui pourraient également servir de tabourets, de chaises et d’échelles. “Je trouve que la sculpture est une arène parfaite pour s’entraîner [queer] idées », dit Hall Design d’intérieur. « Je pense que la sculpture a le pouvoir de nous enseigner de nouvelles façons de voir, et donc je fabrique mes objets dans l’espoir qu’ils compliqueront nos façons conventionnelles de lire les corps. Une sculpture en béton à petite échelle en forme de U suggérait sa fonction potentielle de tabouret, ou la pièce maîtresse de l’exposition était un porte-manteau en peuplier, qui rappelait une silhouette humaine, entièrement recouverte de clous en acier.

Dans un coin sombre, Hall a projeté une photographie de l’intérieur miniature de l’artiste Narcissa Niblack Thorne d’un appartement moderniste rempli d’art, Couloir californien (1940), exposé à l’Art Institute of Chicago. Désintéressée par le mouvement moderniste, Thorne avait maîtrisé la création de minuscules répliques minutieusement exactes d’intérieurs classiques, et pour une exploration unique de la tendance contemporaine de son époque, elle avait chargé le peintre moderniste Fernand Léger et la potière Gertrud Natzler de créer des versions minuscules de leurs œuvres.

Ici, Hall partage avec Design d’intérieur leur approche de l’art de la sculpture et des multiples usages de chaque pièce, ainsi que la façon dont la queerness les aide à refuser la catégorisation.

Design d’intérieur : Commençons par votre processus de fabrication des sculptures. Les créez-vous en pensant à leurs utilisations potentielles ?

Gordon Hall : Bien au contraire, j’essaie de ne pas imaginer à quoi je pourrais les utiliser pendant que je les fabrique. Je sais qu’il peut y avoir une utilité, mais je ne veux pas savoir ce que c’est tant qu’il n’est pas terminé et je peux découvrir à partir de l’objet ce qui devrait arriver avec lui. Une fois que c’est fait, je le regarde et l’écoute pour savoir ce qu’il veut que j’en fasse.

ID : Qu’en est-il de l’élément performatif de vos objets, notamment ceux de votre spectacle HESSE FLATOW ? Vous avez précédemment activé vos sculptures vous-même ou par l’intermédiaire d’autres interprètes ; quel genre de similitude voyez-vous entre l’activation par l’utilisation et la performance ?

GH : Quand je fais des performances qui utilisent mes sculptures, je les considère comme une seule utilisation possible de ces objets. Si les gens vivent avec eux, en passant du temps avec eux dans la vie de tous les jours, je suis sûr qu’ils leur trouveront d’autres utilisations, ce qui est beau pour moi. En ce sens, je ne les considère jamais comme complètement terminés, car il y a toujours de nouvelles façons de vivre.

De gauche à droite : Tabouret en U, 2020 ; penché en arrière (2), 2021. Photographie avec l’aimable autorisation de HESSE FLATOW.

IDENTIFIANT: Pensez-vous à la fois aux aspects artistiques ou utilitaires de vos sculptures avant de les commencer ? Ces aspects se nourrissent-ils ou s’interpellent-ils ?

GH : Je ne fais pas une grande distinction entre artistique et utilitaire lorsque je fais mon travail. Ou, je suis toujours curieux de savoir ce qui se passe quand je confonds les deux – une chaise qui n’a pas de but parce que c’est une sculpture ou une sculpture qui a un but en tant que chaise. Il y a tellement de façons différentes pour que les objets soient utiles ou inutiles, et mon travail remet en question ces définitions.

ID : Lorsque nous parlons de « queering » soit un espace soit un objet, nous parlons de subvertir sa fonction première. Queer dans ce cas, c’est remettre en question la (re)productivité et l’approche traditionnelle. Comment cette notion de queerness influence-t-elle votre approche de la fabrication d’objets ?

GH : Je pense que le queerness est un rejet des définitions normatives de ce que les corps peuvent être et de ce qu’ils devraient faire. L’homosexualité est une pratique consistant à faire le moins d’hypothèses possibles sur notre propre corps et celui de l’autre. Cette approche découle bien sûr d’un besoin vécu de redéfinir le genre et la sexualité, mais je pense qu’elle peut s’étendre à de nombreux autres domaines, tels que la façon dont nous pensons à la race et au handicap, tout domaine où nous pourrions agir comme si nous savions ce que sont les corps des autres. et ce qu’ils signifient.

De gauche à droite : Penché en arrière (1), 2021 ; Tabouret Compagnon, 2021. Photographie avec l’aimable autorisation de HESSE FLATOW.

ID : Les œuvres de HESSE FLATOW font référence au corps avec ses éléments corporels et son absence. En tant que sculpteur, comment le corps informe-t-il votre travail ?

GH : Je suis venu à la sculpture en étant danseur, et cette formation m’a façonné à tel point que les corps sont au centre de tout ce que je fais. Je pense toujours aux objets en fonction de la façon dont un corps pourrait les ressentir. Mon enthousiasme pour les meubles en découle également, car les meubles suggèrent ou évoquent toujours des corps, même lorsqu’il n’y en a pas.

ID : Les objets flirtent entre figuration et abstraction – leur référence à certains objets est presque reconnaissable, mais cette familiarité est glissante. Comment expliquer cette dualité à travers le prisme d’une esthétique queer ?

GH : C’est exactement ça, j’essaie de faire des objets qui sont un ceci, un ceci et un ceci, sans jamais s’installer définitivement sur une seule identité. Ou je fais des choses qui semblent au premier abord être reconnaissables, mais à y regarder de plus près, elles ne sont pas non plus cela, ou plus que cela, ou d’une manière inattendue. Pour moi, l’abstraction a été un outil pour imaginer un monde futur différent de celui dans lequel nous vivons actuellement. Je suis également très intéressé par la façon dont des objets abstraits et reconnaissables peuvent coexister dans une exposition – comment les mélanger ensemble change notre regard sur chacun. J’essaie de faire en sorte que chaque spectacle ait un équilibre d’objets identifiables et non identifiables.

FIN DE JOURNEE 2021. Photographie avec l’aimable autorisation de HESSE FLATOW.

IDENTIFIANT: La pièce maîtresse de l’émission, FIN DE LA JOURNÉE, est aussi invitant que fantomatique. Pourriez-vous expliquer votre décision de recouvrir le cintre de clous ?

GH : L’idée de couvrir le valet de vêtements de clous est venue du fait de remarquer l’aspect des clous sur les vieux parquets, brillants après avoir été frottés par les pieds de tout le monde au fil des ans. Je voulais en faire une forme de décoration, mais aussi une armure, comme une cotte de mailles, ou des clous, ou des écailles.

IDENTIFIANT: Si les références des sculptures aux objets sont universelles, Point flottant m’a instantanément rappelé un Roomba, qui, par rapport à d’autres objets référencés, est très high-tech et en quelque sorte inattendu. Pouvez-vous nous parler de votre méthode pour trouver l’inspiration dans le monde extérieur ?

GH : Un Roomba ! D’autres personnes voient un support de plante, ou un plateau, ou un point noir planant. Tout va bien pour moi !

Point flottant, 2021. Photographie avec l’aimable autorisation de HESSE FLATOW.

IDENTIFIANT: Banc en cinq parties est aussi mystérieux qu’invitant. Comment « construire » les couches visuelles et narratives de chaque objet ?

GH : J’essaie de puiser dans différents aspects du monde conçu et de les combiner de manière engageante et imprévisible. Dans Banc en cinq parties, le dessus est tiré des bancs publics contemporains qui sont conçus avec des morceaux sur eux pour empêcher de dormir ou pour désigner où les gens doivent s’asseoir, tandis que les colonnes grises sont une combinaison de design grec et brutaliste. Et le tissu en béton coulé a été inspiré par la tradition de sculpter le bois ou la pierre pour ressembler à du tissu drapé, inspiré de la robe sculptée sur une sculpture en chêne du 14ème siècle au Met Cloisters. Je planifie le travail à l’avance, mais si une fois que je l’ai fait, je le regarde et j’ai l’impression que ce n’est pas bien, alors je le jette et je recommence. Je ne peux jamais vraiment savoir si quelque chose fonctionne jusqu’à ce qu’il existe.

IDENTIFIANT: Comment la vie future de vos œuvres influence-t-elle vos méthodes de réalisation ? Ils peuvent continuer leur vie dans les maisons de collectionneurs, les galeries d’institutions, les entrepôts ou d’autres environnements. Êtes-vous conscient de cette ambiguïté ?

GH : Je fais toutes mes sculptures avec l’espoir qu’elles vivront de nombreuses vies différentes sans moi. Je les ai faits, mais je ne veux pas limiter ce qu’ils peuvent faire dans le monde. Les sculptures ne sont pas destinées à être emballées dans du stockage.

Banc en cinq parties, 2021. Photographie avec l’aimable autorisation de HESSE FLATOW.
Ceinture, 2021. Photographie avec l’aimable autorisation de HESSE FLATOW.
Pantalon, 2021. Photographie avec l’aimable autorisation de HESSE FLATOW.